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Julieta Mariel Messer Contacto: julieta.messer@hotmail.com

Entrevista a Alfredo Martín

Entrevista al actor, director y dramaturgo Alfredo Martín

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Julieta: -En tu producción teatral existe una tendencia a trabajar con textos de escritores muy renombrados. ¿Cómo surge la idea de poner en escena a estos monstruos de la literatura universal?

Alfredo: -Mi elección va más bien por el lado de “lo monstruoso” que de lo renombrado o consagrado, aunque a veces estos aspectos pueden coincidir. Cuando digo “lo monstruoso”, lo tomo en un sentido amplio, me interesan aquellos aspectos de la escritura literaria, que no coinciden exactamente con el bienestar o lo dichoso, o el placer de lo pleno y la felicidad. Me resultan más atractivas las lecturas que se relacionan con el malestar del sujeto, lo excéntrico o lo absurdo respecto del orden establecido, y la impotencia del sujeto que debe sostenerse.

Me planteo entonces una excursión, a veces una especie de extravío, por el mundo que ese autor creó, y la obra elegida funciona como una especie de mapa, un referente que aporta una cartografía para el viaje y me permite orientar y graduar una búsqueda. La misma al principio no tiene un objeto muy definido, o sea el mismo se va construyendo en el camino, dentro de ese universo literario particular elegido, que voy investigando y conociendo.

J: -¿Cómo se construye esta “excursión”? ¿lees biografías? ¿mirás películas del tema?

A:-La investigación incluye todo tipo de material sobre el tema, biografías, películas, comentarios, críticas, material periodístico, textos folletinescos y/u objetos espurios, que presentan ese universo o lo trabajan con otras miradas y subjetividades de distinto orden.

J:-¿Cómo es el trabajo de escritura? ¿primero trabajás con improvisaciones de los actores o hay un texto fijo que ellos deben seguir?

A:-El trabajo de escritura es particular en cada caso. El material va dejando sus huellas de lectura, anotaciones, citas, pequeños o grandes trazos que resultan significativos y producen asociaciones. Aparece la temática con sus posibilidades, y esto da pie a nuevas lecturas de otras obras del autor, una inmersión cada vez mayor, en su mundo, su biografía y la subjetividad de su tiempo.

En un segundo momento o a veces simultáneamente, aparece la escritura en el campo escénico. Son ideas o imágenes sensoriales y dramáticas, que surgen arbitrariamente y se indagan y van sembrando lo teatral, esto produce una cierta tensión sobre la totalidad. Un interjuego que tiene tres elementos: la obra y su temática; los procedimientos que usa el autor y el mundo ficcional que crea, y su pasaje, o sea el material teatral que se va edificando. Distintas vías de entrada que devienen en escenas, y con ellas surge la estructura de la obra.

En el trabajo dramatúrgico no hay cronología, o mejor dicho la lógica no es la del tiempo organizado y correlativo, es más caótico y fragmentario (más dionisíaco). Una vez que la estructura se encauza, lo dramatúrgico ya queda instalado, y las vueltas a lo literario nutren la acción dramática, permitiendo engrosarla, expandirla y por momentos justificar situaciones inventadas.

La obra en construcción ya no obedece a un saber previo de orden literario, sino a las leyes de la poética de lo dramático. Lo importante es poder elevarse por encima de la historia que se va a contar, recrearla para uno mismo y para “el potencial público” que todos llevamos dentro. (Unos escriben para alguien, otros para algo; algunos para no volverse locos y otros para poder dormir) De esta forma el desarrollo tiene su originalidad, producto de ese encuentro festivo con el objeto logrado y ya no es la fiel y obediente repetición de lo escrito en el libro, que además nunca es tal.

J:-Ya que mencionaste el tema de lo dionisíaco… ¿en algún momento aparece esa fuerza apolínea que dice: “bueno, basta de experimentación, hay que ordenar la obra”? ¿cómo manejas la ansiedad en ese pasaje?

A:-Ah… ese es un todo un tema, la verdad. La ansiedad es enemiga en estos casos (y en cualquiera) porque te invita a pasar por encima de los hechos. Hay que poder administrar las dosis justas de experimentación más caótica, y de orden. A veces algunas partes avanzan más rápido que otras, porque son más cercanas al creador y a su mundo, y hay que tener la paciencia de convocar “eso otro” que quedó relegado y resiste a su apertura. Pero te diría que en el teatro hay siempre algo apolíneo que se mantiene, y tiene que ver con “lo vivo”, lo que sucede en esa particular función y no sucederá en otra, por eso es un arte efímero.

J:-Hay también una repetición, un elenco más o menos estable a lo largo en tus obras ¿te sentís cómodo trabajando con ellos? ¿pensaste de antemano para ellos tal o cual personaje?

A:-Sí, efectivamente. Hay una repetición de un elenco más o menos estable, que tiene que ver con las condiciones de producción. A veces los materiales te marcan determinado tipo de actuación, que te hace pensar en tal o cual actor o actriz, y en ocasiones es más libre. Trato de sostener un grupo de trabajo coherente, con gente que aporte y sobre todo, que tenga una relación comprometida y pasional con lo que hace, que le guste investigar y sostener cierta interrogación sobre el hacer teatral. De esa forma se pueden sortear situaciones hostiles de la realidad, que conspiran contra la tarea.

J:-¿Cómo ves la escena teatral hoy? ¿Cuáles son tus referentes?

A:-La escena teatral hoy es muy variada, y está compuesta por muchas propuestas de diferente orden; estas responden a diversos intereses artísticos, culturales y/o económicos. Hay muchas que están ligadas a la lógica de la industria cultural, el entretenimiento y el poder excluyente y mortífero del espectáculo y otras, que resisten y pueden sostener una propuesta que represente una búsqueda menos engañosa, menos sujeta a los discursos amos imperantes, que en nuestro tiempo obedecen a la globalización, la banalidad de la moda y el capitalismo salvaje.

Aunque estamos viviendo tiempo de cambios constantes y radicales, y en el teatro esto se ve de una manera ostensible. Diría que el teatro le pone una lupa a esas modificaciones vertiginosas. Lo que funcionaba hace dos o tres años, como un procedimiento y propuesta de avanzada, ahora ya forma parte del pasado. La actividad teatral es incesante y eso contribuye a este recambio. Es interesante y difícil hacer convivir una búsqueda rigurosa en lo artístico, con su lógica y su coherencia, y al mismo tiempo, evitar encarnar modas o tendencias que nos invaden constantemente y pre moldean la demanda del público. Como por ejemplo lo que sucede después de algunos festivales internacionales, que dejan una marca fenomenológica y luego se pretende copiarlos o reversionarlos, como si fuera una garantía de éxito o algo así.

Por otro lado, la gente joven, encuentra una gran fuerza de resistencia en el campo teatral, como si éste fuera un bastión, que permite tamizar una realidad hostil y vacía, que amenaza con alienarnos en la violencia y el automatismo. El teatro independiente o alternativo, es una forma de hacerle frente, poniendo a funcionar el deseo y el trabajo colectivo y solidario en pos de lo artístico, que no es para nada “productivo”, más bien es inútil pero funciona como un soporte simbólico a nuestro mundo subjetivo.

Referentes principales son los autores que leo, escritores y dramaturgos a los cuales estudio, y cuyas obras voy a ver. Los teatristas con los cuales me formé académicamente, también cuentan. Yo estudié en la EMAD, la carrera de dramaturgia y allí aprendí muchísimo. Pero más que nada aprendí haciendo y equivocándome, un aprendizaje desde la praxis y la autogestión, una autoevaluación permanente de aciertos y errores, que en un tiempo posterior arribaría a conceptualizaciones teóricas.

J:-¿Qué puestas en escena que fuiste a ver te interesaron de estos últimos años?

A:-Todo Verde, de Santiago Loza con dirección de Lisandro Rodriguez. Apátrida, doscientos años y unos meses, de Rafael Spregelburd. El pasado es un animal grotesco, de Mariano Pensotti, Teatro Sarmiento. La última sesión de Freud, de Mark St. Germain con dirección de Daniel Veronese. Los talentos y La edad de oro de Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu en El Kafka y El extranjero.

J:-¿Te sentís más cómodo en el rol de actor, director o dramaturgo?

A:-Las siento como situaciones complementarias, sobre todo éstas dos últimas. Dirigiendo los materiales que escribo, puedo replantear ciertos aspectos con mayor comodidad y entiendo que la dirección le hace un aporte necesario a lo dramatúrgico, porque lo confronta en el campo escénico. Ahora como actor es otra historia. Me parece que el actor hace un pacto de creencia maravillosa, primero consigo mismo y con sus compañeros y luego con el público. Y para eso debe partir de un estado de inocencia, dicha ingenuidad le permite jugar seriamente con la nada, aportándole sentidos y creencia.

J:-¿Qué temas te interesan particularmente para llevar al teatro?

A:-Es difícil pensar acerca de los temas, sin tener en cuenta los tratamientos de los mismos, y otro factor íntimamente relacionado: el punto de vista, o sea desde donde se los encara, cuál es la mirada que se tiene sobre ese tópico. Hay algunos temas que son predominantes: el absurdo cotidiano, la muerte y sus vicisitudes, el poder y sus formas, el lugar del padre, el sentido de la vida y el lugar de la invención, la hipocresía de la sociedad, la caída de los ideales, el padecimiento psíquico y la escritura como lugar de sostén, etc.

Poder traducir determinados procedimientos desde lo literario a lo teatral, para mí es un desafío y un aprendizaje. Últimamente me siento atraído por aquello que enlaza lo literario y la vida ordinaria; lo que se lee en los libros, con lo que se pone en acto. Ese interjuego entre lo ficcional y las formas en las que influye sobre la realidad más cotidiana, será tal vez porque nuestra realidad es fundamentalmente psíquica, como decía Freud.

J:-¿Aceptarías una propuesta de teatro comercial, aunque no estés de acuerdo con la totalidad de la puesta en escena?

A:-Es una situación que aún no se me planteó. No sé si me interesaría. Si veo que a pesar de las condiciones dadas, puedo construir un mundo que represente la idea sobre la obra, y que reconozca un imaginario interesante, propio del proceso, donde el trabajo realizado se sustente éticamente, lo pensaría. Porque de lo contrario terminaría siendo una estafa para mí y para los demás. No hay nada peor que sostener o firmar algo que es ajeno a uno, por más que haya dinero de por medio.

J:-¿Y una propuesta cinematográfica, respecto de reversionar alguna de tus obras de teatro?

A:-Sí, claro. El lenguaje cinematográfico me parece interesantísimo, porque propone contar en imágenes de un orden distinto a las teatrales. Estas son más expansivas y permiten grandes variaciones espacio-temporales. La historia puede ser más exhaustiva en lo cinematográfico, mostrando lo que en teatro solo se puede sugerir. Además está el trabajo de montaje donde prácticamente, se reescribe el guión.

J:-¿Cuánta participación le das al actor a la hora de tomar decisiones en escena? ¿puede sugerir o directamente decidir acerca de la puesta?

A:-Cada día estoy un poco más abierto a las propuestas que puedan hacer los actores, luego de que se empapen suficientemente, de cuál es la búsqueda que nos trazamos. Esa búsqueda asume un hecho concreto, en ese viaje se deben deponer los egos. El objeto a construir está por delante de cada uno y nos debemos a él. Hay un primer texto base que se expone y precede al trabajo escénico, y sobre éste, se van construyendo las distintas versiones que surgen a partir de los ensayos, con el aporte de los actores.

J:-¿Qué obra de teatro te gustaría hacer?

A:-En general siempre dirijo lo que escribo, esa forma se naturalizó en mí. En dos oportunidades dirigí textos de Harold Pinter: “El Montaplatos” y “Un leve dolor”, un autor inmenso, con una sensibilidad y un estilo inigualable. Le ha aportado al teatro varios ingredientes insoslayables: el de los silencios y el de la conspiración. Con este dramaturgo me llevo maravillosamente bien. Además tuvo un gesto muy generoso al “regalarnos” prácticamente los derechos de una de sus obras, “Un leve dolor” yendo contra el sistema establecido de sus propios representantes, que solo están pensando en el negocio. Me gustaría trabajar con algunos textos de autores literarios tales como: Horacio Quiroga, Robert Walser o Lewis Carrol.

J:-En tus obras, el texto tiene un status predominante. ¿Cómo te ves creando un espectáculo en donde esté relegado?

A:-No creo que el texto deba reemplazar a la actuación y la imagen. No disfruto de aquellas puestas donde los actores dicen bien y no pasa nada. Parece un homenaje al autor. El texto espectacular es el resultado de la palabra pasada por el cuerpo vivo de actor, en una situación sobre el escenario, que tiene un andamiaje dramatúrgico. Es el actor el que insufla vida a lo que hace o dice. Me encantaría vérmelas con una situación donde el silencio cuente una situación dramática entera, y de hecho es muy atractiva de ver sobre el escenario.

J:-¿Cuáles son tus próximos proyectos?

A:-Reestrenar “La Metamorfosis”, la primera parte del “Díptico kafkiano” que hicimos durante el año pasado, será nuevamente en Teatro del Borde, en la segunda parte del año. Y continuar con las funciones actuales de “Pessoa, escrito en su nombre” viernes a las 22.30hs en Andamio 90 y de “Frankenstein, la criatura sin nombre”, que estamos haciendo con el elenco de jóvenes actores y actrices: Los Gascones, los domingos a las 19hs en Andamio 90. Así como las presentaciones de “Como si fuera un Crimen” sobre un par de cuentos y artículos periodísticos de Roberto Arlt, en el Museo del Libro y de la Lengua en junio.

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Esta entrada fue publicada el 4 mayo, 2015 por en Sin categoría.
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